CAMPAIGN

1.9.14

#AVPAHORA



THE ALEX CEBALL STUDIO_WORLDWIDE_ se complace en anunciar su apoyo a la campaña nacional para el Acuerdo de Vida en Pareja AVP en Chile a través de acciones físicas y multimedia en el país latinoamericano, como una forma de sensibilizar a la sociedad civil y responsables gubernamentales para su pronta aplicación como ley.

El Acuerdo de Vida en Pareja (AVP), es un proyecto de ley para mejorar las condiciones jurídicas y sociales de dos personas de igual o distinto sexo que, con o sin hijos se aman, viven bajo un mismo techo y conforman una familia.

Las leyes de este tipo pueden adquirir distintos nombres: Acuerdo de Vida en Común, Pacto de Unión Civil, Pacto de Solidaridad, etc. Al Congreso Nacional de la República de Chile han ingresado proyectos con esas y otras denominaciones. La sigla AVP es la que más se ha sociabilizado desde el año 2011 en Chile, presentado por el ex Gobierno de Sebastián Piñera.

El AVP es importante por cuanto en la actualidad más de dos millones de personas conviven, con o sin hijos, sin posibilidad de regular su régimen patrimonial, de salud, previsional y de herencias. Esto quiere decir que un conviviente no puede ser carga del otro en salud o previsión en el país sudamericano. Si un miembro de la pareja fallece o enferma, su conviviente se ve absolutamente imposibilitado u obstaculizado de decidir sobre los bienes de ambos, de heredar, de visitar a quien ama cuando esté internado en un centro de salud, de definir trámites funerarios o de custodia o tuición de los hijos/as. En síntesis, para el ejercicio de muchos derechos los convivientes no son nada ante la ley. De ahí la importancia de aprobar el AVP.


El AVP es una alternativa al matrimonio, es decir está pensando para aquellas parejas que por distintas razones no pueden o no quieren casarse. Las parejas beneficiadas por el AVP son sólo las que viven juntas.



El primer país que reguló sobre uniones civiles o uniones de hecho fue Dinamarca, en 1989, tras el cual han seguido por similar camino más de 40 naciones, mientras que en otras 15, incluido en Chile, se están discutiendo proyectos similares. ©THE ALEX CEBALL STUDIO_WORLDWIDE_ ratifica su compromiso con esta campaña, ayudando a la difusión que permita la pronta regularización de un derecho fundamental para toda la sociedad civil chilena, invitando a todos los actores de la vida social y creativa del país a sumarse.










28.8.14

BETTINA

Image::MR GEORGES DAMBIER PHOTOGRAPHER © PARIS::


El próximo 16 de septiembre, la Galería Carla Sozzani de París abrirá las puertas a una exposición dedicada a Simone Micheline Bodin, ¿Le conoce? Probablemente no. Y es probable porque se le conoció y se le recuerda más por su seudónimo, Bettina. Nos referimos a una de las primeras supermodelos de la historia. Antes que Twiggy en Londres, existió ella en París. Bettina. Simone Micheline Bodin fue la hija de un empleado ferroviario de Bretaña, en el noroeste de Francia nacida el año 1925. Fue el diseñador Jacques Fath, uno de los tres diseñadores de alta costura más influyentes de postguerra junto a Christian Dior y Pierre Balmain el que la rebautizaría diciéndole “Ya tenemos muchas Simone, tú me luces más a Bettina” y ahí quedó nombrada la que se convertiría en una de las mujeres más fotografiadas de su época.


Christian Dior la invitó a unirse como modelo de la casa, pero Bettina lo rechazó. Se quedada con Fath, por quien sentía un cariño especial. En los años cuarenta su única rival fue la inglesa Barbara Goalen. Se asoció con él y también con Lucien Lelong, pero su más destacada participación fue junto al modisto Hubert de Givenchy, para quien trabajó como modelo y además como agente de prensa. Hubert dedicó a ella su primera colección tras abrir la maison y también una blusa con el nombre “Bettina Blouse”, un básico indispensable para algunas divas como Ava Gardner, ElizabethTaylor o Greta Garbo, convirtiéndose así en un ícono de la moda a mediados de los cincuenta y posteriormente inspirando la botella de perfume de la misma casa, “Amarige”.


Simone estuvo casada por un corto tiempo con el fotógrafo y reportero francés Gilbert Graziani, más conocido como “Benno” y posteriormente relacionada sentimentalmente con el guionista norteamericano Peter Viertel. Sin embargo, Bettina fue a por más. Conoció al príncipe Aly Khan, por ese entonces embajador ante Naciones Unidas de Pakistán. En 1955 se retiró del modelaje para dedicarse a su nueva vida de esposa y embarazada de Khan, sobrevivió a un accidente automovilístico que le costó la vida al noble. Producto del shock sufrió un aborto involuntario que le destrozó la vida y daría vida a sus memorias tituladas “Bettina Bettina”, publicada en París por Flammarion en 1964 y al año siguiente por Michael Joseph en Londres.  


Simone Micheline Bodin fue en su época de gloria inmortalizada por los nombres emblemáticos del universo de la moda. Su rostro posó ante la cámara de Erwin Blumenfeld, Henri Cartier-Bresson, Jean-Philippe Charbonnier, Irving Penn y Henry Clarke, entre muchísimos otro. En 20 días más, la galería parisina mostrará a quienes se acerquen al espacio una selección de cien retratos seleccionados, acompañaos del catálogo publicado en exclusiva por Carla Sozzani Editore. No deje de visitarla, valdrá la pena.


26.8.14

DE PANES, MANTEQUILLAS

Image::BREAD & BUTTER © BERLIN::

Un puñetazo sonoro sobre la mesa deben de haber pegado en las oficinas del Ayuntamiento de Barcelona y la Generalitat de Catalunya al enterarse de la decisión de Karl-Heinz Müller, organizador de Bread & Butter, al informar que la próxima edición invernal de la feria, entre el 8 y el 10 de enero próximo, se quedaría en Berlín. Si bien la feria de moda, la más importante de Europa, planificaba volver a la ciudad condal en la cual funcionó entre los años 2005 y 2009, por exigencias del mercado se quedaba en Berlín. Una cachetada a palma abierta en la cara, sin duda.


¿Por qué? Porque aquella decisión de Müller, le quitaba a la ciudad ni más ni menos que cien millones de euros como un suspiro, cifra que entraba a Barcelona en su impacto económico entre hotelería, restauración, transporte, entretenimiento y otros servicios de casi 80.000 visitantes y 800 expositores de más de un centenar de naciones. Cuando hace cinco años atrás Bread & Butter abandonó España, probablemente, oliendo la recesión que se venía encima (todo el mundo lo sabía ya desde el 2007), fue suplantada por un híbrido llamado “The Brandery”, que no le llegó ni a los talones y jamás superó los 150 expositores, muchísimo menos el centenar de millones en su impacto económico. Y es que los alemanes se la montan bien. Barcelona está de muerte.


En su comunicado, Müller explica en lindas palabras que en conversaciones con el sector ha quedado claro que en la actual situación del mercado prefieren que se mantenga el formato actual berlinés priorizando la salud y seguridad del mercado alemán, agradeciendo la disponibilidad de Barcelona para acoger el evento y disculpándose por las posibles molestias, sin desestimar un posible regreso a la ciudad para el verano próximo. Para el sector de la moda y el turismo condal, aquello significó cogerse la cabeza a dos manos y darse contra la pared. Ante ese panorama, es necesario preguntarse qué acciones debiese inventar (o reinventar) la ciudad para atraer inversiones en un sector que representa una millonada.


El 080 Barcelona Fashion no sobreviviría si no hubiera integrado grandes marcas de retail como Mango, Desigual u otros gigantes en medio de una situación económica compleja que no ha podido lograr sentar cabeza por razones lógicas… Barcelona debiese reinventarse. Si las marcas han dejado claro que están interesadas en un mercado alemán por su salud económica, hay que ver quiénes estarían interesados en un mercado español. Quizá, ¿Mirar con mejores ojos a América Latina? Como bien dijo Müller ese año que el salón emigrase de regreso a casa: “Barcelona, no llores, levántate y haz algo. Hemos demostrado que esto puede funcionar y ahora dejamos un hueco”. Es de esperar que aparezcan esas luminarias que cubran aquel agujero, monetariamente, tremendamente sabroso. Tarea pendiente.




21.8.14

PERFIL: LAUREN BACALL

Image::MS NINA LEEN PHOTOGRAPHER © MOSCOW::


La noticia dio ayer la vuelta al mundo desde un departamento en Nueva York. Había muerto, un año antes de cumplir nueve décadas, una de las mujeres insólitas de nuestro tiempo. Betty Joan Weinstein Perske, más conocida como Lauren Bacall. Actriz de la época dorada de Hollywood en los cuarenta y cincuenta, había dejado de respirar. A nadie le extrañó que la exclusiva se esparciera por los cinco rincones de la tierra como la pólvora, contra el tiempo. Era la Bacall. Hija de un polaco y una rumana, inmigrantes judíos establecidos en Estados Unidos, ni más ni menos que en Nueva York, ni más ni menos que en el Bronx, Betty inició sus estudios en la American Academy of Dramatic Art, una de las factorías de leyendas del teatro y el cine anglosajón. Y en eso se convirtió la Bacall, en una leyenda, la misma leyenda que en una rueda de prensa le dijera a una periodista que Nicole Kidman no era ninguna leyenda, que para serlo se necesitaban años, ser mayor, y tenía razón.


Y es que la Bacall era mucha Bacall. Para costear sus estudios a los diciseis años, la pequeña judía del Bronx comenzó a trabajar como acomodadora en un cine y como modelo para la revista Harper’s Bazaar. Un día, en una sala de exposiciones de la Séptima Avenida, fue descubierta ni más ni menos que por la icónica Diana Vreeland, directora en ese entonces de aquella emblemática publicación. Fue Vreeland quien la colocó entre sus páginas y la portada que encandilaría al director de cine Howard Hawks. Su secretaria la mandó a llamar, y al llegar Hawks se decepcionó. Encontró a una pequeña Betty tímida, de voz nasal, nada más antagónico a una futura estrella de la gran pantalla, y la despachó. Pero Betty no aceptó la humillación. Debutó en Broadway en 1942 con la obra “Johnny 2 x 4” y fue a visitar a Hawks. Le tocó la puerta a puño cerrado, entró y le dijo “Hola Howard, cómo estás” con una voz profunda y grave, y simplemente, lo encandiló irremediablemente. Howard la incluyó en el elenco del film “To Have and Have Not” junto a Humphrey Bogart, y el resto es historia. Entró al Olimpo de Hollywood y convirtió a Bogart en su esposo hasta la muerte del intérprete, en 1957. A lo largo de su vida realizó más de cuarenta películas y el pasado 13 de agosto, el día que dejó de respirar en su domicilio producto de un derrame cerebral a consecuencia de una embolia, Lauren Bacall pasó a pertenecer a las enciclopedias de la Historia Universal.


Lauren Bacall es un caso muy particular dentro de nuestro mundo contemporáneo. Encarnizó la más alta perfección de lo que aún entendemos por sofisticación. Representa una de las últimas divas en una contemporaneidad donde aquella clase de mujeres se han casi extinto en el ámbito de lo público, y su deceso abre la ventana a un montón de preguntas sobre la degradación de lo onírico en los mundos del cine, la moda y el show business. La próxima primavera el museo del Fashion Institute of Technology de la gran manzana dedicará una retrospectiva a su figura y su relación con la moda, el mundo que le abrió las puertas a convertirse en la leyenda que nos acaba de abandonar. No vale la pena hablar mucho más de la Bacall, porque los principales tabloides internacionales ya se han encargado de eso. Más bien la tarea es abrir esas preguntas. ¿Qué actriz, hoy, le llegaría siquiera a los talones?, ¿Qué mujer del show business actual norteamericano, de esas que se pasean por las alfombras rojas, podrían siquiera imaginar moverse sobre esas alfombras con el mismo desplante y derroche de clase marcial como la Bacall o la aún viva Sophia Loren?... No quedan muchas, y lo grave del asunto, es que no aparecen más… así son nuestros tiempos, y es una pena.


Si Hollywood construyó a una de las más destacadas divas del cine clásico, Bacall supo mantenerlo aún bajo la sombre de Bogart. No se convirtió en “la viuda de”, sino que se catapultó como La Bacall, como La Monroe, como La Taylor o La Davis. Tuvo los cojones de enfrentarse públicamente a la casa de brujas del Comité de Actividades Antinorteamericanas del senador McCarthy junto a otro grupo de estrellas en una época complicada sin bajar un segundo la barbilla. Aquello sólo se lo reservaba a la cámara. Y así, a punta de talento y cojones, se convirtió indiscutiblemente en uno de los íconos de la cultura popular. Cumpliste.




20.8.14

CAMBIOS EN LOS TIEMPOS

Image::MR HEDI SLIMANE PHOTOGRAPHER © PARIS::


Una vez más, la moda gira según los minuteros y segunderos del reloj. Queda claro en el recién publicado artículo de la periodista norteamericana Cathy Horyn en T Magazine, la revista del The New York Times, en el cual no le ha quedado más remedio que bajar la cabeza ante el rotundo éxito de Hedi Slimane al frente de la casa Saint Laurent, éxito en cifras, éxito en números. Kering SA (KER) aumentó en el comercio de París después de reportar ingresos que superaron las estimaciones de los analistas financieros en el segundo trimestre debido a la creciente demanda de vestidos Saint Laurent, además de Gucci, sosteniendo que crecería aún mas durante el segundo semestre de este año. Las acciones avanzaron un 5,6 por ciento, la ganancia más pronunciada en un año alcanzado casi 160 euros por acción. Sobre la base comparable, las ventas subieron un 4 por ciento. Nada menor. Saint Laurent aumentó durante el trimestre sus ventas en un escandaloso 29 por ciento superando el 22 estimado.


Si Gucci representaba para LVMH su mayor apuesta, Saint Laurent ha dado sorpresas a Kering, entregando un crecimiento en los ingresos francamente excepcionales, representando ahora, junto a otras marcas del grupo, más de un tercio de las ganancias. De este modo, Kering consigue una mayor porción de las ventas de LVMH sobre sus marcas de moda y artículos de cuero más pequeñas. Bottega Veneta, la segunda mayor marca de Kering, también reportó ganancias por sobre las estimaciones de los especialistas. Por supuesto, la marca continuará implementando planes encaminados a intensificar el crecimiento y el flujo de caja de cada una de sus firmas. En esa estrategia, la compañía acordó comprar el fabricante suizo de relojes Ulysse Nardin, que se espera concrete en este segundo semestre. Para ellos, la firma de relojes representa un rico patrimonio, de alta rentabilidad y con perspectivas de crecimiento muy sólidas, según el consejero delegado de Kering MR François-Henri Pinault.


En su artículo en el semanario neoyorkino, Horyn desgrana un montón de fechas, estilos, sucesos, nombres y apellidos para tratar de desmenuzar lo que es más claro que el agua. Slimane enriquece a sus jefes, y lo hace con sus propuestas cargadas en algo tan simple como el sentimiento de desaprobación de las nuevas juventudes por los viejos modelos, basándose, precisamente, en el rescate de los modelos de antaño. Me pregunto en qué minuto se quedó pegada Horyn, estancamiento que le valió más de un dolor de cabeza al defender a regañadientes lo indefendible: que los tiempos habían cambiado, y tiene razón, Hedi ha captado la modernidad en su totalidad. No es imbécil, y eso es lo que vende, y seguirá vendiendo en el universo de la moda, como cualquiera que tenga dos dedos de frente: la modernidad, que no es más que la reinterpretación del pasado mirando al futuro para tener un mejor presente. Se hará rico.


Volviendo a Horyn, cabe la pena mencionar un aspecto importante en la que gran parte de las supuestas grandes personalidades del periodismo de moda caen, y es el vicio. El vicio alimentado por el ego. El ego proveniente del saber que detrás se encuentra un tabloide emblemático, y que sus líneas serán leídas por miles de personas. Deberían salir más, y no me refiero a todo el universo que corresponde a la moda, como desfiles, fiestas exclusivas, lanzamientos de tiendas, exposiciones y cenas. Como la misma Horyn dice, Susan Sontag decía que el arte más interesante y creativo de nuestro tiempo, y de cualquier tiempo, no está abierto al culto en general. Exige un esfuerzo especial, habla un lenguaje especializado. Pues bien, he ahí lo que ha hecho Hedi: meterse ahí, no en la alta moda, que se mueve más cerca de los medios de comunicación y alfombras rojas. Por eso Hedi, metido en ese arte más interesante, creativo, especial y sobre todo real, se ha convertido en el dueño de la alta moda. Enhorabuena por Kering, y enhorabuena por Hedi.

26.7.14

MERITOCRACIA

Image::MR WILLIAM EGGLESTON PHOTOGRAPHER © MEMPHIS::

¿Ha escuchado alguna vez esta palabra, la que titula este texto? La meritocracia. La obtención de beneficios y mejoramiento de las condiciones personales o grupales basado en los méritos de uno mismo, o de un grupo. Palabra rara en los tiempos actuales, donde parece a ratos una gran confusión, o donde nacen de todas partes todo tipo de excusas para poner sobre poltronas de poder de decisión o acción a quienes, en un gran y alarmante porcentaje, poco y nada tienen de meritorio para aquellas distinciones, apelando precisamente a eso, a un supuesto mérito. En jerga de los jesuitas, la rama más intelectual de la fe católica, no se pierde ocasión para repetir y acentuar el término “magis”, que traducen en un significado propio y extendible de la más alta excelencia, aplicado a todas las áreas de la vida y el conocimiento. La congregación a la que pertenece el actual pontífice da prueba de ello, de momento, en la figura del principal bastión de la iglesia, uno de los referentes indiscutibles de la más alta inteligencia, erudición y sobriedad, términos escritos para Usted por una persona que ni siquiera es creyente…


Podrían catalogarse mis dichos dentro de un halo casi esotérico. Lo cierto es que eso, la meritocracia, da pruebas por hoy, no por casualidad de su fuerza en las ramas a ratos más ninguneadas del complejo enigma de nuestras vidas y la sociedad que vivimos. La ciencia, la investigación, la medicina, el arte y la literatura continúan siendo los nidos de esa virtud, casi siempre silenciosa pero muy poderosa, en cuya virtud avanza nuestra especie, lejos de los focos cuyas luces son robadas a diario por la tontería del espectáculo, la grandilocuencia de los escándalos políticos y empresariales y la farandulización de las tragedias naturales o a consecuencia de nosotros mismos. ¿Qué decir al respecto? Nada. Nada en el saber que ha sido de la misma forma desde tiempos donde la historia comenzara a documentarse, es decir, de toda la vida. Esa es nuestra verdadera identidad, la de todos y cada uno de nosotros por una condición casi biológica. En ese sentido, cabría la responsabilidad en cada padre y madre de familia hacérselo saber a sus hijos, y desde ese punto de partida, educarlos, quizá, para que partiendo desde esa vértice, generar… ¿una… virtud? Los métodos son tan dispares de acuerdo a cada una de nuestras condiciones y realidades personales que se transforma en una tarea casi titánica, y como sabemos, a nadie le enseñan a ser padre, o madre.


Desde nuestro centro personal en donde nos encontramos, y de ahí para todo lo que nos rodea, y más allá donde ni siquiera nos imaginamos que podemos llegar, cabe una tarea grande, enorme, que es la de lograr descifrar cuál es nuestra virtud. Nuestra verdadera virtud, aquella donde alguien o algo nos toca para poseer un talento. Y si he de enfatizar en esto, es debido a que el reconocimiento de ese talento, y por consecuencia la especialización de ese talento, en el más alto nivel, en ese “magis” como dicen los jesuitas, es el punto de fuga de donde se generan las verdaderas vanguardias. Las vanguardias…



No pasamos por los mejores momentos, dicen muchos, en todas partes. Y uno se va caminando por la calle convencido de que aquello es cierto, que sin duda lo es, pero, ¿Para quién? Y luego llegas a casa y te sientas frente a una hoja de papel a escribir, o a dibujar, o a coger un instrumento o experimentar con algo y resulta que es bueno en eso, quizá muy bueno, y se dedica a eso, y le va bien, y con el pasar de los años, le va mejor, aunque alrededor no se pasen los mejores momentos. El tema es cómo descubrir ese talento propio, y luego, cómo hacer para que el resto se de cuenta de esa meritocracia. Algunos se obsesionan con ese tema, los otros. La meritocracia puede ser generada probablemente más por los otros que por el propio sujeto, lo que nos pone en la irrefutable realidad de ser seres sociales. Trabajar es el primer punto de partida, y luego, la especialización dada por la experiencia y la observación, dos puntos que hoy por hoy son muy menospreciados, ninguneados, siendo que se transforman en la propia alimentación de la meritocracia en el elemento más interesante y sabroso para llegar a saber con exactitud por qué y de qué manera se hizo aquello que tenemos frente nuestro, aquello que nos fascina o nos deja boquiabiertos. Y aunque los tiempos no son los mejores, todos los días aparece gente guapa haciendo cosas guapas, y es bueno estar cerca de ello, porque alimenta la propia capacidad de soñar, que es el suero que alimenta el alma, y el alma el instinto, y el instinto la cosa, que puede o no llegar a convertirse en algo tremendamente importante para uno y para los otros. En ese ejercicio, al contrario de lo que mucha gente piensa, lo que digan los otros, no debe,  a Usted, importarle jamás. Así se construyen los sueños y luego se hacen realidad. Y si nadie le da el mérito, quédese tranquilo, ya Usted mismo se lo regaló, y eso no tiene precio. Es tan difícil en el mundo moderno que alguien valore el trabajo propio sin haber egresado de una pomposa universidad, o venir de una casta rimbombante, o sin tener una red amplia de contactos en medios de comunicación o plataformas comerciales que muchos quedan en el camino. ¿Y si a lo mejor, hiciera lo contrario? ¿ Manteniéndose desde las márgenes, hacer un trabajo de especialización mejor incluso que todos aquellos que se mantienen dentro de un sistema tradicional?, ¿Qué sucedería? Probablemente no tendría la misma visibilidad al corto plazo, pero con el pasar de los años, lo conocería la gente justa e indispensable para que en el largo plazo su meritocracia tuviese un pedestal de mármol o hierro forjado… Quién sabe. Mientras Usted aprenda a reconocer el mérito personal, propio, créame que el resto también aprenderá a valorar el suyo, por supuesto, en el lugar correcto, en el momento justo y la gente indicada. Es lo que los jesuitas llamaban, y siguen llamando, el “magis”. La meritocracia.



24.7.14

MODA & ILUSTRACIÓN



El mundo de la ilustración de moda va adquiriendo cada vez más notoriedad. Nuevos artistas incursionan en la industria del lujo y las tendencias a través de páginas de revistas y el universo publicitario, dotando a las marcas de un romanticismo perdido y a su vez transformándose en obras de arte apetecidas por todo tipo de coleccionistas.

Esta obra, resume anotaciones del artista y editor Alex Ceball sobre la ilustración de moda y su relación con la vocación, la técnica, los medios y la ética en el ejercicio de esta renovada rama del dibujo comercial, con una serie de recomendaciones a los nuevos aspirantes para su despegue profesional, comunicaciones en el nuevo panorama tecnológico y su relación con marcas y revistas de moda de todo el mundo. Una guía notable y honesta para el nacimiento de potenciales nuevos ilustradores.

Disponible en todo el mundo por Amazon y librerías Barnes & Noble!




15.6.14

LABHUNTING

Image::MS CASS BIRD PHOTOGRAPHER © NYC::

Para todos quienes integran en sus hojas de vida y curriculums el oficio de Coolhunter, y para todas aquellas escuelas que han integrado dicha disciplina a sus mallas académicas en forma de cursos, postgrados o diplomados, el tiempo, siempre veloz, les va pasando la cuenta. El oficio de buscar tendencias para insertarlas dentro de los hábitos de consumo para la gran industria de la moda ha cambiado. Aparece una nueva figura central en el mundo de la búsqueda de tendencias y va mucho más allá de lo que hasta ahora conocíamos, que lleva un par de años y poco más funcionando sin un nombre reconocible. Hoy aparece definido: El Labhunting.


Si bien hasta ahora el coolhunter tradicional se dedicaba a la mera identificación de nuevos hábitos, productos, servicios y su posterior informe a las empresas de consumo y medios de comunicación para su masificación, el Labhunter va un paso más atrás para avanzar dos adelante y quedar muy por sobre el rol de los nominados buscadores de tendencias. Agrupa el anterior ejercicio de identificación de tendencias con más rapidez, pero reúne además en su ejercicio otros tres ejes: el estudio de la manufactura, en donde identifica el origen de materias primas, adelantos tecnológicos en su elaboración y las buenas prácticas en los sectores sociales y medioambientales en el mismo proceso a fin de evitar a las compañías e intermediarios futuros escándalos relacionados con estos ámbitos; La multidisciplinariedad. El Labhunting opera no sólo en el ámbito del consumo como tal, sino recurre a la totalidad de las áreas de la vida de una persona y su posición dentro de grupos sociales para identificar océanos azules, más entendido a modo de productos o servicios que como un todo pueden ser una cosa y varios a la vez, poniéndolos a prueba en su efectividad de estímulo antes de ofertarlo como novedad a clientes en una misma transversalidad.  


En tercer lugar, el Labhunting centra su mirada en la efectividad de estímulos en el universo de los nuevos modelos de comunicación, utilizando la red para comprobar el fenómeno de distintos productos o servicios a través de la web y redes sociales, identificando esquemas de posible éxito tanto en productos como en su comunicación masiva. El Labhunting, como su nombre lo indica, es una disciplina que centra su actividad en un modelo de laboratorio de tendencias pre-diseñadas, originales. Funciona a modo de identificador y también co-creador de tendencias que lanza carnadas a los coolhunter y medios tradicionales para despistarlos de su objetivo primordial de identificación de novedades y canalizar otras con mayor impacto. En el Labhunting, sus protagonistas logran pulir las antiguas metodologías. Unen el trabajo in-situ, en terreno, inmersos en los mundos de la cultura underground y sus subdivisiones de manera anónima, también en el imperio de los simbolismos presentes de los medios de comunicación de masas y las redes ocultas, sólo que ahora, además de ese esfuerzo, lo integran dentro de un espacio de experimentación múltiple, social, puliendo esos mismos productos y servicios, mejorándolos, esquematizándolos y sacándolos como productos únicos incompetibles, fácilmente copiables aunque difícilmente igualables en sus bases productivas iniciales, asegurando con estas prácticas autosustentabilidades duraderas a través de elevación como íconos de época, ubicándolos en el imaginario cultural y de mercado a través de los medios de comunicación tradicionales partiendo por los no convencionales.



Otra de las características esenciales de los Labhunters, es, además de trabajar en absoluto anonimato y bajo perfil, la accesibilidad a los más sofisticados y secretos ambientes tecnológicos aplicados a la moda, el diseño, la música, el arte, la restauración, la cosmética, los mundos de la restauración, la belleza, la edición, la hotelería y el sector audiovisual, de espectáculos y nuevas tecnologías. ¿Dónde se encuentran? A diferencia de los coolhunters, ubicados en zonas altamente pobladas y gentrificadas de las principales capitales mundiales, los Labhunters se mueven en todas direcciones, desde las más densas y sofisticadas ciudades a las más alejadas y rudimentarias aldeas, constantemente, en cualquier rincón del planeta. Son infinitamente más preparados intelectual y académicamente en la integración de las áreas que les compete, alejados en edad y estrambóticos estilos de los ya mediáticos y célebres primeros coolhunters y con alto conocimiento en el funcionamiento de los mundos de la empresa y los medios de comunicación, como quien dice, cualquier hijo de vecino. Los primeros Labhunters, lejos de la occidentalidad que pudiese imaginarse, provienen de países como Japón, China, India, Sudáfrica y Brasil, con altos índices de investigación tecnológica e inversiones en I+D, en la curiosidad de ser los nuevos centros de poder económico mundial. Unos entrarán pronto a la pista de baile para convertirse, si su ego puede más que su discreción, en próximas y sonadas celebridades. Otros, los más viejos por ser los más discretos, sencillamente, siempre han estado ahí, en esa misma pista. Solamente, se han sofisticado. Se han reinventado. Que tiemblen las modernas. Labhunting.



12.6.14

EL ROL DEL ARTISTA

Image::TERRY RICHARDSON PHOTOGRAPHER © NYC::

Hace poco tiempo atrás, un artista de un país de América Latina produjo una acción que causó gran repercusión local. Quemó los pagares de todos los alumnos de una universidad privada, deuda cercana a los quinientos millones de dólares. Dicha casa de estudios, se había visto envuelta en un caso de fraude, por lo que fue clausurada dejando a su alumnado prácticamente en la calle, elevando con esta acción al artista a la categoría de héroe nacional en plena época de marchas estudiantiles y promesas gubernamentales de cambios en el sistema educacional de dicho país, en el centro de la polémica. Después de dar vueltas en círculo durante un rato, me detuve a pensar sobre este artista, su acción y la real repercusión que su acción tendría en el futuro, en el supuesto que llegase a tener algún significado. Obviamente, aquello no lo sé, ni lo sabrá nadie hasta que suceda. Todo a su tiempo, dicen.


Después de estas vueltas en círculo, cigarrillos y tazas de café en completa soledad, cabía preguntarme sobre el rol que un artista debía cumplir. A primeras, este artista en particular cumplía con todos los ingredientes: caía en la polémica nacional asegurándose una total cobertura de prensa, por estos tiempos vital para el mantenimiento de su profesión y realizaba una gruesa crítica social poniendo de su parte al pueblo alejado de los círculos de poder, que bajo todo análisis es la función primordial de un artista, desde siempre.


Ahora bien, cabe la pregunta del nivel de legitimidad de esta acción. ¿Artísticamente hablando, es aceptable que un artista use una realidad bullada para utilizarla como caldo de cultivo para la realización de una obra?, ¿No sería más legítimo que hubiese realizado la misma acción antes que aquello se transformase en tema de discusión obligado en todo el tejido social de un país? Los medios locales relativizaban esta performance como un modo de buscar la atención, a secas. Conociendo personalmente la obra anterior de este artista, y a él mismo, podría asegurar que toda su obra ha estado pintada con esos tintes de polémica crítica social. Era, lo de los pagarés, completamente legítimo en el universo de su trabajo.


¿Cuál es, entonces, el rol de un artista el día de hoy? Es tan amplia la gama de matices para contestar esta pregunta que podría ser un debate eterno… o no. ¿Qué opina Usted? ¿Qué límites debe autoimponerse un artista en la realización de su obra, o por el contrario no debería ponerse ningún tipo de límites?. ¿Qué sería de un artista si hoy, como en la antigüedad, no existiesen ningún tipo de medios de comunicación? ¿Debiese el arte adaptarse a los tiempos y a los medios, o en su propia inteligencia asegurar su perdurabilidad en el tiempo en base a obras físicas? Seguramente la performance o la instalación tendrían que decir lo suyo sobre este tema. Esto lleva a otro punto de partida de discusión.


¿En qué medida es realmente valorable este tipo de intervenciones, como la performance o la instalación en nuestros tiempos, cuando ya han pasado a convertirse en habituales del mundo del arte perdiendo la chispa de la novedad cuando aparecieron? Son inevitablemente propias del mundo contemporáneo, fugaces como la realidad misma, que logran perdurar en el imaginario colectivo únicamente gracias a su registro y documentación. ¿Y si evitas intencionalmente el registro y la documentación? ¿No existe? ¿Nunca existió, nunca pasó? ¿Qué sucedió con una obra cuando no tuvo valoración mercantil alguna por su propia fugacidad y ausencia de registro? Son preguntas que abren la puerta a una nueva valorización de la obra como tal y el rol del propio artista, al hacerlo de esa manera intencionadamente o no.  Más allá de la primera intención visual, es interesante valorar el mundo que existe detrás de la vida de la misma obra, convirtiéndose a veces el proceso en el suceso aún más interesante que la propia concreción de la obra y su registro para la perdurabilidad en la trayectoria de su ejecutor. ¿En qué medida se puede valorar ese proceso si no existe documentación alguna más que la comunicación de boca a boca a puerta cerrada, hecho intencionalmente así por el propio artista? Es en este suceso cuando aparece la figura del teórico y su importancia como medio de documentación. Rol que parece a ratos no ser identificado por los propios teóricos en nuestra época reciente, ni en su propia importancia de registro. Digámoslo con sus letras, hoy por hoy, escasean. ¿Por qué? Será por los propios deseos del teórico de forjarse un nombre dentro de su mundo en base a la documentación de obras o acciones físicas, palpables? Vuelvo al rol del artista, o de algunos artistas elegidos con pinza, al privar intencionadamente sus procesos en el sentido de hacer y construir obra, y más importante aún, procesos de obra reservadas únicamente para él mismo. En ese sentido, la agudeza del teórico debiese ser incluso más entrenada que la de los propios artistas, y puede que sea esta relación, o no relación, la que haya provocado un alejamiento entre ambos agentes para asegurar la presencia de una obra ante el público. En ese sentido, ¿Es legítimo que el artista busque sus propios medios en las herramientas de comunicación masiva que le ofrece el mundo moderno pasando por alto al teórico y su rol de escribano de su propia historia? Es una situación compleja, y muy actual.



En otro punto del mismo asunto, ¿Están o no pasadas de moda estas manifestaciones artísticas y sus modos de ejecución?, ¿Es, lo de este artista y otros contemporáneos un refrito de acciones ya realizadas por otros artistas emblemáticos pioneros en este modus operandi? Y, en el caso de ser efectivamente un refrito, ¿Debiera el artista replantearse volver a la realidad de la obra física para su permanencia en el tiempo? Respuestas, una vez más, deben ser miles, lo único cierto es, al menos en estos momentos, que este tipo de manifestaciones y sus fugacidades son reflejos intrínsecos de nuestro tiempo, donde todo poco y nada perdura. 


11.6.14

EL SECRETO DE LA CREATIVIDAD

Image::MR JAMES STONE PHOTOGRAPHER © NYC::


Gran palabra. Curiosa palabra. Delicada palabra… La creatividad. ¿Cómo reconocer este patrimonio en tal o cual persona, o en lo que hace?... ¿Cómo saber que un creador realiza una obra verdaderamente creativa, o ha estado inmerso en un proceso efectivamente creativo, de primer nivel?... ¿Bajo qué parámetros se debe medir la creatividad real sin confundirla con la pseudo creatividad, aquella basada en la copia o en la mera manifestación de cualquier cosa ya hecha, o creada? Es muy difícil evaluar la creatividad en los tiempos que corren, donde poco o nada lleva colgado en la solapa las medallas de la sorpresa, de lo sorprendente, de eso que te hace enmudecer, y sonreir, y emocionarte. De dejarte simplemente sin palabras. Y agradecerlo. Muchísimo. La creatividad.


Un suspiro melancólico, con la mirada perdida, hace detener los dedos del teclado por un instante para entrar en esta materia, pensar en esa palabra tan importante por esta época dada su ausencia o como mucho, su absoluta indiferencia por nosotros. A diario recibo infinidad de correos electrónicos con proyectos de distinta índole, supuestamente creativos, también invitaciones a eventos, exposiciones y lanzamientos que sólo verlos en pantalla desinfla cualquier tipo de interés por asistir, y sólo porque el nivel en el diseño de la mayoría de esas comunicaciones es deficiente. Si así es la invitación a observar, imagínese Usted cómo será el resto. Para eso se queda en su cama mirando una buena película o leyendo un libro, que aún sorprenden. De la misma forma, a diario nacen nuevas revistas impresas que son refritos de otras cosas unidas en algo que no llega a ser nada en concreto, salvo chovinistas extensiones de quienes crean esa basura, lo mismo con aún más numerosas webs y sitios internet insufribles. Entrar a galerías de arte resulta en gran porcentaje un tedio y sintonizar las radioemisoras para escuchar las últimas apuestas musicales de artistas multitudinarios es, como poco, una soberana lata. Poco y nada en mucho… en demasiado. Pero no cuento nada nuevo.


Ahora bien, en todo esto, cabría preguntar en qué piensa toda esa gente, supuestamente creativa, al momento de visualizar siquiera todo eso que hoy nos bombardea por la radio, los quioscos, la televisión y la red en todo tipo de formas y métodos… Muchas personas caballeros, se han devanado los sesos en torno al secreto de la creatividad sin encontrar respuestas. Quizá, no sea más claro y sencillo que la simple prolongación a la vida adulta de las vitales cualidades infantiles, esas que te sorprenden, con las cuales enmudecer, sonreir y emocionarte… dejarte sin plabras. El que es realmente creativo, es el capaz de encontrar respuestas a preguntas nuevas, el que puede organizar sus exploraciones y, poniéndolas en orden, vigorizarlas. Eso es crear señores, y ya. Sin embargo, la sociedad se esmera en sus encerronas, cual rodeo, cual toro en su plaza listo a ser aniquilado. En esa chaqueta de fuerza, simplemente, se vuelve imposible llegar a la auténtica creatividad, y ya vemos por todos sitios que así es, lamentablemente. En este fenómeno, la actual tendencia hacia la austera sencillez de diseño podría fácilmente, desbocarse y ser utilizada como excusa de la falta de imaginación.  No puede olvidar que las manifestaciones estéticas mínimas sólo son exitantes como contraste con otras más complejas. Cuando todo esto llega a dominar la escena en todos sitios y en todas las áreas, como ha sucedido, los resultados pueden ser extremadamente perjudiciales.


Todo lo “moderno”, toda la “vanguardia”, todo lo “cool” ha estado siguiendo esta dirección durante ya tiempo considerable, esperando, según la opinión personal de quien os escribe, hasta agotar el modelo. Y en cierto sentido, toda esa inmensa cantidad de basura podría entenderse como que son peores que nada, ya que dan una falsa impresión de progreso, originan complacencia y satisfacción por la obra realizada, disminuyendo la posibilidad de un auténtico progreso. Y así vamos. Y es fuerte. Paulatinamente, en el tiempo, al pedir mayor ingenio e inventiva, nadie calculó ni de lejos la magnitud de la respuesta que se produciría en los creadores, lo que escapó rápidamente de control. Nadie entendió que se estaba estimulando algo que ya tenía un fuertísimo respaldo biológico… Incautos, consideraban al genio y el vital sentido de responsabilidad creadora como propiedades ajenas al cerebro humano, cuando en realidad todo el tiempo estuvieron allí… ocultas esperando una sola oportunidad para hacer irrupción al exterior y romperlo todo… y así fue. Por supuesto, en su represión fue y es forzada a librar sus batallas en la forma de aislados y excepcionales individuos llamados “artistas” por los dogmas mecánicos y los aún anticuados sistemas educacionales.


De esta manera cada vez que aparecen, su valor para la sociedad en la que se mueven con mayor o menor rebeldía, resulta indiscutible, lo que condujo al movimiento del sistema y su organización a estimularlo. ¿Por qué? Porque desde la más estricta racionalidad, la inventiva y la creativad representaban, como hoy, inmensas ayudas para el progreso social. Pero volvieron a ser encerradas y controladas en lo posible para que la tendencia no se extendiera a terrenos más amenazadores dominados por las autoridades, sin tener la lucidez de ver que en la medida que el medio no les permita innovaciones creadoras, lo destruirán para poder empezar de nuevo. Este es uno de los más grandes dilemas a los que se enfrenta nuestra sociedad global, cuya tarea será resolverlo con vistas al futuro, teniendo en cuenta que con demasiada frecuencia, lastimeramente como en nuestros días, en lo más inmediato, el creador se asome a su tablero de dibujo como el piloto de un avión bombardero, que avista un objetivo, en vez de intentar proyectarse así mismo como un pequeño objeto móvil que circula en el interior del medio, como un dron, por el cielo abierto… es el secreto de la creatividad.